Los mejores films vistos en 1973

ACTUALIDAD CINEMATOGRÁFICA (LUIS ESPINAL)

Diario Presencia (La Paz, lunes 31 de diciembre de 1973)

Al hacer una selección de los mejores films estrenados en la paz en 1973, inmediatamente caemos en la cuenta de una escasez de calidad dentro del cine norteamericano; sin duda este hecho es explicable en gran parte por ciertos problemas de distribución que ha tenido este año el cine norteamericano entre nosotros.

Entre los 10 mejores films que hemos podido ver este año tendríamos que catalogar los siguientes: SATIRICON de Fellini, SACCO Y VANZETTI de Montaldo CABARET de Fosse, LOS PERROS DE PAJA de Sam Pekínpah, LA BATALLA DE NERETVA de Bulajic; FAUSTINA Y EL HERMOSO VERANO de Companeez; BUBU UN AMOR ENFERMO de Bolognini; MURALLAS DE ARCILLA de Bertuccelli; CUANDO ES PRECISO SER HOMBRE de Nelson y METELLO de Bolognini.

La segunda onda la podrían formar otros 10 films también de gran interés, que serían CARRERA CONTRA EL DESTINO de Serafian, MACBETH de Polanski, MORIR DE AMOR de Cayatte, DULCE TORTURA de Molinaro; QUERIDA LUISA de De Broca, EL GATO de Granier Deferré, EL JARDÍN DE LOS FINZI CONTINI de De Sica; EL GRAN ENCUENTRO de Young, CHICAGO, CHICAGO de Jewison y finalmente PEQUEÑOS ASESINATOS de Arkin.

Vamos a comentar brevemente algunos de estos films.

SATIRICON

De Federico Fellini (Italia) es una exploración interior. A partir de la obra de Petronio, Fellini sicoanaliza al Imperio Romano en decadencia; pero al hacer esto no se refugia en la historia, sino en la fantasía que supera el tiempo. 

Más allá de la imaginación apocalíptica, Fellini está obsesionado por el Juicio Final. Su mundo es simultáneamente el de Boccaccio y el de Dante; su sinfonía de cuerpos desnudos expresa ambos mundos a la véz.

SATIRICON es una película radicalmente onírica; la cámara se mueve con la cautela del acecho y la curiosidad de un viaje por el subconsciente. La sonoridad múltiple, llena de Ecos y susurros, la constancia del humo en la niebla se acaban de psicologizar por el silbido repetido del viento.

SATIRICON es una meditación sobre el tema de Eros (amor) y Thánatos (muerte) iconográficamente evocado por la misma pareja de protagonistas. Las anécdotas y episodios reflejan también alternativamente escenas eróticas o de lucha y muerte. El tema de la muerte y el sexo aparecen citados constantemente a través de fragmentos famosos de la poesía de Homero, Lucrecio o Cátulo. 

Así el amor y la muerte son la cara y la cruz de la misma realidad. Por esto también el mundo de SATIRICON está lleno de símbolos eróticos implícitos; pero a veces se vuelven evidentes y provocativos, como el fuego de Enotea, o los monolitos y hornacinas de clara referencia sexual.

SACCO Y VANZETTI

De Giuliano Montaldo (Italia) es una película histórica aleccionadora, ya que narra el proceso de un lastimoso error judicial en la Norteamérica de 1920. Durante la represión contra los radicales en Boston, dos obreros de origen italiano son condenados a la silla eléctrica, imputándoles un atraco con asesinato.

Joan Baez canta una balada estremecedora en pro de estos perseguidos por sus ideas, que se parecen tanto a los ideales por los que ella pelea. 

La parte temática del film se esclarece definitivamente en el diálogo de Vanzetti con el gobernador Fuller. Allí se esclarece el dilema entre la justicia que habría que conseder la persona, aunque fuese un delincuente, pero se le niega para no dar la impresión de tolerancia con unos personajes símbolo del movimiento obrero y sindical.

CABARET

De Bob Fosse (Norteamérica) es un fin musical ambientado en el Berlín de 1931 CABARET es la plasmación de una época inconsciente de la tormenta que se fraguaba en su seno; la película presenta una relación entre el cabaret y la vida política de la Alemania que incubaba el nazismo. Ciertos rasgos políticos impresionan por su repetición posterior. CABARET es un homenaje al arte de la época a la que se refiere; al cine expresionista de la UFA con su culto por las sombras, los reflejos y la vida nocturna; a la caricatura, a los afiches políticos, a las fotos erotizantes de Lya de Putti. Pero sobre todo, el homenaje plástico se dirige a Max Reinhardt el gran impresionista y renovador constante del teatro Alemán de la primera posguerra; él ha sido el estimulante para la experimentación en todos los otros ámbitos de la plástica alemana. 

LOS PERROS DE PAJA

De Sam Peckinpah (Norteamérica) es una película de gran violencia interior, hasta que se desborda hacia el exterior. Un científico irresponsable y distraído por su pacifismo se deja atropellar en las pequeñas cosas de la vida. Al no reaccionar, los atropellos suben de tono; y cuando reacciona histéricamente, como buen tímido, provoca una inútil matanza. 

Su esposa es una chiquilla inmadura, que repetidamente pide ayuda a su marido para vencer sus propias tentaciones. Pero ni el cariño ni la hombría del varón llegan a su tiempo. Él es un hombre excesivamente faltó de sensibilidad; el trabajo y su ciencia no le dejan tiempo para vivir. Ella fluctúa entre el cariño y el repudio por unos hombres más hombres, y que valoran mejor su feminidad. 

LOS PERROS DE PAJA es una parábola contra el pacifismo raquítico que por miedo a las pequeñas violencias necesarias, desemboca en las grandes matanzas. Pekínpah sin duda se refiere a las responsabilidades políticas de Norteamérica 

LA BATALLA DE NERETVA

De Veljko Bulajic (Yugoslavia) es una superproducción que narra la liberación yugoeslava durante la Segunda Guerra Mundial. Se subraya la epopeya del pueblo que lucha, se desplaza y sufre el tifus y la ocupación. Los héroes individuales están sumergidos en el cuadro masivo, como pide una filosofía socialista. Una serie de micropinceladas dan la moral colectiva, antes la patria que la pareja, la disciplina frente a las órdenes incomprensibles; el sentido de la coralidad. 

LA BATALLA DE NERETVA muestra un fuerte influjo del gran cine ruso clásico, en concreto de IVAN EL TERRIBLE de Enseinstein. Bulajic mueve certeramente grandes masas humanas, muy bien ubicadas sobre el paisaje y el material ambiental. 

FAUSTINA Y EL HERMOSO VERANO

Es un film de Nina Companeez (Francia) es una película exquisita, fuera de serie, radicalmente femenina. El argumento se centra sobre el verano de una adolescente que sueña en el amor, y atisba la vida de unos vecinos, como quién espía la vida para aprender de ella. FAUSTINA es un film encantador, lleno de hechizo, morosidad y aun una inocente morbosidad. El enamoramiento y el sentido de la naturaleza se entremezclan con la nostalgia por el tiempo que pasa. Por eso, la última frase del diálogo recalca: “Este es mi primer beso, y dentro de 70 años ya habré muerto”.

BUBU UN AMOR ENFERMO

De Mauro Bolognini (Italia) se ambienta en el Milan de la “Belle Epoque”. Más que la historia de Bubú, un rufián la película presenta la tragedia de una santa de la prostitución. 

Ante este fenómeno social se muestran varias posturas ideológicas: la de Berta que simplemente la ejercita para ganar dinero, y se mantiene pura interiormente; la de Bubú que la explota, pero al menos no la desprecia y comparte sus riesgos; y la de Piero que le da esperanzas pero es incapaz de actuar y llevarla a soluciones concretas. 

BUBÚ es un film interior, ajeno a toda pornografía, aunque se hable de sífilis o no falte el desnudo. La prostitución Se presenta como un fruto de la miseria, y un tributo que los pobres pagan a la gente que tiene dinero; pero hipócritamente la moral burguesa condena solamente a la mujer víctima de la prostitución. 

MURALLAS DE ARCILLA

De Jean Louis Bertuccelli (Francia) presenta la vida en un pequeño poblado de Argelia postcolonial. El pueblo está aislado en el desierto, con un único pozo de agua, que azul qué es su fuente de vida. Allí nada ha cambiado desde siglos, ni nada tiene traza de cambiar. Ha cambiado la bandera, pero no el sistema de extorsión.

Se subraya la muralla de rutina de desierto y de conformismo que lo envuelve todo. La cámara cinematográfica también se mueve frecuentemente en sentido envolvente para acentuar la cerrazón. La leyenda inicial de la película insinúa que la etapa burguesa es inútil para los países subdesarrollados, ya que todo hay que volverlo a empezar de raíz. A las murallas externas de la pobreza, el erial y el ejército se añade la muralla interior de la fatalidad y la rutina. 

CUANDO ES PRECISO SER HOMBRE

De Ralph Nelson (Norteamérica) es un fin del Oeste hecho con gran valentía ya qué es una acusación lúcida contra el militarismo y el patrioterismo vacío. Al delatar una masacre de indios en el pasado se incluye una referencia implícita a las masacres norteamericanas en años más recientes. 

Todo el tema del Oeste se presenta desde un punto de vista indio, por esto el film es una apología del nativo que lucha por su tierra. Así el fin se convierte en un anti-western. El desenlace es trágico, recalcarse la brutalidad de la masacre y el pisoteo de la bandera americana. 

METELLO

De Mauro Bolognini (Italia) trata de la vida de un obrero consiente, en la Italia de principios de siglo. En realidad se trata de la maduración y concientización de un hombre, en la política y en el amor. La fuerza de METELLO está en que no se nos presentan los problemas sociales en la pura objetividad de exterior, sino desde el rescoldo interior de un obrero que va reflexionando sobre su propia realidad. 

METELLO está fotografiado maravillosamente por Ennio Guarnieri; aquí la fotografía ya es pintura, con reminiscencias de la escuela veneciana del siglo dieciocho, en concreto de Guardi.